Stanislavski -System Was ist, Eigenschaften und wie es in Aktion verwendet wird

Sie sagen, dass Stanislavskis Lieblingswörter gegenüber seinen Schülern "Ich glaube dir nicht glaube, überzeugen Sie mich nicht". Seine Art zu sehen und zu verstehen, wie Theaterkünstler handeln sollten, war anspruchsvoll, aber auch akribisch. So sehr, dass es seine eigene Methode wurde: Das Stanislavski -System.

Sein systematischer Ansatz, nicht nur zu handeln.

Diese Methode war entscheidend, damit die Theaterstücke, Serien und Filme so sind, wie wir es heute wissen, und dann werden wir entdecken, warum.

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Was ist das Stanislavski -System??

Konstantin Sergeevich Alekseyev (Moskau 1863 - 1938), besser bekannt als Stanislavski, war ein produktiver Schauspieler, malerische Direktor und russische Theaterpädagoge Bekannt als Autor einer der wichtigsten Methoden für die Geschichte der darstellenden Künste: das Stanislavski -System. Infolge vielerjähriger Anstrengungen sollte seine Methode die Schauspieler Aspekte der immateriellsten und unkontrollierbaren menschlichen Verhaltensweisen während ihrer Bühne leiten, wie Emotionen und künstlerische Inspiration.

Stanislavski Er studierte, was die Schauspieler das taten, schaffte es natürlich, in den Charakter einzusteigen. Aus seinen Beobachtungen und Erfahrungen schuf dieser russische Direktor ein System, das jeder Schauspieler, sowohl Roman als auch Veteranen im Beruf, in seinen Werken anwenden konnte, um eine sauberere, reale und natürliche Leistung zu erzielen. Diese Methode war zum Zeitpunkt ihres Aussehens so revolutionär, dass sie einen Vorher und einen Treibstoff in der Handlungswelt markierte und Standards festgelegt hatte.

Diese Methode formulierte es zu einer Zeit, als die darstellenden Künste ihrer Heimat Russland durch konventionelle und stereotype Klischees gekennzeichnet waren. Die Schauspieler handelten künstlich, sogar histrionisch. Die Werke wurden von einem Heiligenschein falscher Emotionalität und wenig Vorbereitung der Schauspieler gebadet, so knapp, dass sie sogar erfuhren, was sie zu sagen hatten, als sie bereits auf der Bühne waren. Little oder nichts schaute auf die Librettos, wo das hätte auswendig gelernt werden sollen.

Stanislavski führte eine akribische Untersuchung durch, damit ihre Schauspieler von Anfang an mit etwas arbeiten können, das sie als real angesehen haben, Menschen, Elemente und Objekte, die nicht als bloße Elemente eines Szenarios angesehen werden, sondern Teile einer echten, alltäglichen Szene, ein Teil des Lebens selbst. Menschen sind keine Schauspieler in unserem Leben, aber wir sind Teil von ihnen, wir leben sie mehr als ihnen zu handeln.

Um den Schauspieler dazu zu bringen, in die Szene einzutreten, die er vertritt, verteidigt Stanislavski die Verwendung von emotionalem Gedächtnis. Der Schauspieler oder die Schauspielerin muss sich an eine persönliche Erfahrung erinnern, die er ähnelt, die er repräsentieren will, und ihm hilft, sich mehr eingetaucht zu fühlen und an dem zu beteiligen, was versucht, auf der Bühne zu repräsentieren. Sie sollten nach einer Situation Ihrer lebenswichtigen Geschichte suchen, in der Sie eine Emotion analog zu ihrem Charakter fühlten.

Dies wird jedoch nicht nur erreicht, um eine aufrichtige Emotion hervorzurufen. Eine externe Unterstützung ist ebenfalls notwendig, ändern Sie unser Aussehen und unser Verhalten, um dem Charakter Leben zu verleihen das soll repräsentieren oder eher zum Leben erwecken. Make -up, Kleid, Gehen, verhalten sich letztendlich wie der Charakter, da äußere physische Handlungen dazu beitragen.

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Die Grundsätze des Stanislavski -Systems

Das Stanislavski -System ist ziemlich komplex und es kann nicht gesagt werden. Es ist jedoch möglich, einige seiner wichtigsten Prinzipien hervorzuheben, die dazu beigetragen haben, ein Vorher und Nachher in der Art und Weise zu markieren, wie Theaterkünstler und anschließend Filme und Serien ihre Charaktere repräsentierten:

1. Konzentration im Charakter

Der Schauspieler muss auf die Vorstellungskraft reagieren Lernen zu denken wie der Charakter, sich darauf konzentrieren, das zu sein, was er interpretiert.

2. Gefühl der Wahrheit

Mit Sinn für Wahrheit könnten wir sagen, dass eine der Ideen dieser Methode darin besteht, zwischen organisch und künstlich zu unterscheiden. Stanislavski war fest davon überzeugt, dass es Naturgesetze gab, die in den darstellenden Künsten befolgt werden sollten, die im Falle einer Respektion ein gutes, natürlich und harmonisches gutes Werk von einem schlechten, künstlichen und übergroßen Unterschied differenzierte.

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3. Handeln nach den gegebenen Umständen

Der Schauspieler muss in der Verwendung und Verwaltung der Umstände, die im Text angegeben sind. Handelt von Halten Sie sich am Drehbuch fest, aber durch die Darstellung seiner Emotionalität freigeben, Das, was im Libretto erscheint, aber die Leistung zu machen, hat Persönlichkeit und Natürlichkeit.

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4. Die physikalische Methode

Stanislavski sah, dass viele seiner Schüler tiefe emotionale Spannungen und psychische Probleme hatten. Durch seine Methode konnte er dazu beitragen, die physische und emotionale Spannung der Schauspieler zu beseitigen, wodurch sich die Muskeln entspannen, während er die Präsentationen durchführte und auf viel mehr freigegeben wird.

Hinzu kam, dass der russische Direktor dem physischen Faktor außergewöhnliche Bedeutung hat, der nicht nur zum Entspannen, sondern auch zuverlässiger war. Aus diesem Grund wurde Ihr System auch als bekannt als als bekannt Physikalische Aktionsmethode aufgrund ihrer großen Betonung der Entspannung der Muskeln bei der Ausführung der Leistung.

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5. Aufmerksamkeitskugeln

Die Aufmerksamkeitskugeln ist das, worauf Stanislavski mit den Empfindungen Bezug genommen hat. Der Schauspieler muss die sensorische Grundlage der Arbeit entdecken. In seiner Aufgabe ist es, zu lernen, sich die Empfindungen zu merken und sich an die Empfindungen zu erinnern, die sein Charakter fühlt.

6. Kommunikation und Kontakt

Der Schauspieler muss in der Lage sein, spontan mit anderen Charakteren zu interagieren, ohne gegen den Inhalt des freien Verstoßes zu verstoßen, scheint aber nicht etwas Zwangs oder künstlich vorbereitet zu sein. Kommunikation und Kontakt mit anderen Akteuren sind im Verlauf von Aufsätzen und endgültigen Darstellungen von wesentlicher Bedeutung.

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7. Rolle in Einheiten und Zielen segmentiert

Künstler müssen lernen, die Rolle oder Rolle ihrer Protagonisten in sensible Einheiten zu teilen, die getrennt funktionieren können. Es ist die Aufgabe des Schauspielers und der Schauspielerin, jede Einheit der Rolle zu definieren, die sie als seinen eigenen Wunsch fühlt Mehr als zu verstehen als literarische Idee, die aus dem Libretto des Regisseurs ergibt.

8. Kreativität in Aktion und Gedanken

Sie können kein Schauspieler sein, ohne kreativ zu sein. Die Kreativität Es manifestiert sich sowohl in einem kreativen Zustand als auch in der Art und Weise, sich selbst zu handeln.

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9. Arbeiten Sie mit dem Libretto -Text

Dieses Prinzip mag offensichtlich klingen, da es schwierig ist, eine Arbeit zu repräsentieren, in der es im Librett ignoriert wird, was es sagt. In der Russischen zu Beginn des letzten Jahrhunderts gab dies jedoch einige russische Künstler nicht selbstverständlich, da es in vielen Gelegenheiten geschah, dass die Librettos nicht gelesen wurden und sie vertrauten, dass sie ihnen ihre Sätze erzählen würden, während sie handelten.

Der Schauspieler muss respektieren, was er in das Libretto steckt, sich seine Zeilen auswendig lernt und verinnerlichen, aber es lernt es nicht, ihn zum Zeitpunkt der Arbeit zu „erbrechen“. Der Schauspieler muss den sozialen, politischen und künstlerischen Sinn des Textes entdecken, Verstehen Sie die Ideen, die der Regisseur im Libretto der Arbeit verewigt hat. Als Künstler muss der Schauspieler oder die Schauspielerin als Mittel dienen, um diese Werte und Visionen der Öffentlichkeit anzuvertrauen, die die Arbeit gesehen hat.

Die Bedeutung des Stanislavski -Systems heute

Das Stanislavski -System hat sich im Laufe der Zeit entwickelt. Zuerst fanden die Schauspieler und Schauspielerinnen den Charakter des Charakters, behandeln Sie ihn als eine echte Einheit. Im Laufe der Zeit jedoch Die Praxis, in seiner eigenen Erfahrung zu finden in jeder Situation.

Heute wird davon ausgegangen, dass der Schauspieler nicht nur verstehen muss, was mit seinem Charakter innerhalb der Arbeit passiert, sondern auch die lebenswichtige Situation kennen muss, in der er ist und welche Umstände ihn umgeben. Der Schauspieler kann dies kennen und in seinem eigenen Fleisch leben und kann auf die gleiche Weise darauf reagieren, wie sein Charakter dies tun würde, was die natürlichste Leistung wie möglich macht.

Dies ist viel weiter gegangen und erreicht die derzeitige Tatsache, dass Viele Künstler leben täglich, da sie glauben, dass ihr Charakter dies tun würde. Zum Beispiel, dass sein Charakter ein Landwirt ist, der auf dem Gebiet lebt, weil der Schauspieler dann eine Saison zu einer Farm geht und so lebt, als wäre dies sein Beruf des wirklichen Lebens. Im Laufe der Jahre fügten verschiedene Interpretationsschulen dem Stanislavski -System bestimmte Praktiken hinzu und wurden zum Zeitverlauf in dem, was in der Schauspielwelt als "Methode" bekannt ist.